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Reflexiones en torno a la luz en la práctica artística contemporánea.
Confluencia entre arte, ciencia y tecnología
Reflections on Light in Contemporary Artistic Practice: Convergence of
Art, Science and Technology
Miguel Mendoza-Malpartida
Universidad de Sevilla
miguelmendozamalpartida@outlook.com
Cecilia Pineda-Calvillo
Universidad de Sevilla
cecpincal@alumn.us.es
Resumen:
El presente artículo analiza la convergencia entre arte, ciencia y tecnología, centrándose
en el arte lumínico como campo de estudio. Se examina cómo la luz, desde los movimientos del
siglo XX, ha evolucionado de ser considerada un simple recurso a un medio de expresión capaz
de generar experiencias inmersivas y sensoriales. En este sentido, se explora el trabajo de
artistas como Neri Oxman, James Turrell y Daniel Canogar, entre otros, como referentes clave.
También se aborda la transdisciplinariedad y la co-creación en el binomio arte-ciencia, una
tipología de obras que integran conceptos científicos para su divulgación a través del arte. En
este análisis profundizamos en el impacto de la era posdigital y las herramientas como la
inteligencia artificial, que redefinen los conceptos de autoría y el papel del espectador,
convirtiéndolo en un participante activo de la obra. Por último, se propone una aproximación
práctica a través de tres proyectos que asumen todas estas cuestiones, “Raíces, Relaciones entre
lo Computacional y lo Humano”, “SEA Reflection and Connection" y “Renovación Cíclica” que
ejemplifican el potencial del arte para la divulgación científica y la educación, demostrando
cómo pueden hacer accesibles conceptos complejos de manera inmersiva y experiencial.
Sugerencias para citar este artículo,
Mendoza-Malpartida, Miguel; Pineda-Calvillo, Cecilia (2026). Reflexiones en torno a la luz en la práctica
artística contemporánea. Confluencia entre arte, ciencia y tecnología. Afluir (Extraordinario V), págs. 183-203,
https://dx.doi.org/10.48260/ralf.extra5.228
MENDOZA-MALPARTIDA, MIGUEL; PINEDA-CALVILLO, CECILIA (2026). Reflexiones en torno a la luz
en la práctica artística contemporánea. Confluencia entre arte, ciencia y tecnología. Afluir (Extraordinario V),
febrero 2026, pp. 183-203, https://dx.doi.org/10.48260/ralf.extra5.228
Recibido 25/09/2025 Revisado 15/10/2025
Aceptado 15/11/2025 Publicado 15/02/2026
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Abstract:
This article analyzes the convergence between art, science, and technology, focusing on
light art as a field of study. It examines how light, since the movements of the 20th century, has
evolved from being considered a simple resource to becoming a medium of expression capable
of generating immersive and sensory experiences. In this regard, the work of artists such as Neri
Oxman, James Turrell, and Daniel Canogar, among others, is explored as key references. The
article also addresses transdisciplinarity and co-creation within the art-science relationship, a
typology of works that integrate scientific concepts for their dissemination through art. This
analysis delves into the impact of the post-digital era and tools such as artificial intelligence,
which are redefining the concepts of authorship and the role of the viewer, turning the latter into
an active participant in the artwork. Finally, a practical approach is proposed through three
projects that embrace all these issues: “Raíces, Relaciones entre lo Computacional y lo
Humano,” “SEA Reflection and Connection,” and “Renovación Cíclica”. These projects
exemplify the potential of art for scientific dissemination and education, demonstrating how
complex concepts can be made accessible in an immersive and experiential way.
Palabras Clave: Arte-ciencia, Tecnología, Arte lumínico, Transdisciplinariedad,
Instalación inmersiva
Key words: Art-science, Technology, Light art, Transdisciplinarity, Inmersive
installation
Sugerencias para citar este artículo,
Mendoza-Malpartida, Miguel; Pineda-Calvillo, Cecilia (2026). Reflexiones en torno a la luz en la práctica
artística contemporánea. Confluencia entre arte, ciencia y tecnología. Afluir (Extraordinario V), págs. 183-203,
https://dx.doi.org/10.48260/ralf.extra5.228
MENDOZA-MALPARTIDA, MIGUEL; PINEDA-CALVILLO, CECILIA (2026). Reflexiones en torno a la luz
en la práctica artística contemporánea. Confluencia entre arte, ciencia y tecnología. Afluir (Extraordinario V),
febrero 2026, pp. 183-203, https://dx.doi.org/10.48260/ralf.extra5.228
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Introducción
La producción artística contemporánea se contempla desde un posicionamiento
desfronterizo en el que prima la exploración de espacios liminales; es decir, aquellos territorios
todavía ambiguos y de tránsito donde se difuminan las barreras entre disciplinas. Es
precisamente en estos intersticios de la creación en los que se abre una infinidad de
posibilidades para abordar metodologías inter- y transdisciplinares. En este punto, podemos
ubicar la creciente oleada de prácticas que hibridan el arte y la ciencia con la tecnología como
agente mediador.
El ámbito de la educación resulta un contexto clave para fomentar los proyectos
colaborativos y las sinergias que se producen en el trabajo en equipo. El arte es una herramienta
poderosa para comunicar ideas y conceptos complejos que no son accesibles generalmente,
trascendiendo las limitaciones del lenguaje puramente lógico o descriptivo que, a menudo,
caracteriza la comunicación científica. A través de la metáfora, la sensorialidad y la emoción; el
arte puede invitar a un pensamiento crítico y a facilitar la divulgación del conocimiento
científico
En este contexto, el presente análisis profundiza en el papel de la luz como un medio de
expresión artística particularmente revelador en la confluencia entre arte, ciencia y tecnología. A
través del estudio de distintos artistas, movimientos y procesos creativos, resaltaremos las
diversas aproximaciones al uso de la luz, evidenciando su capacidad para trascender la mera
iluminación y convertirse en un lenguaje plástico con profundas implicaciones conceptuales y
experienciales.
Nuestro principal objetivo reside en reflexionar sobre el potencial transformador del arte
instalativo en el ámbito educativo, especialmente cuando integra herramientas tecnológicas
como la inteligencia artificial (IA) y la electrónica. A lo largo de los siguientes puntos,
exploraremos cómo estas nuevas formas de creación artística pueden generar experiencias de
aprendizaje inmersivas e interactivas, fomentando la participación activa del estudiante,
estimulando la curiosidad científica y promoviendo una comprensión más profunda y
multisensorial de conceptos complejos.
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Marco Teórico
En un primer término, estableceremos un marco teórico que profundice en el análisis de
diversos referentes consolidados en la creación artística interseccionada por el arte, la ciencia y
la tecnología. Analizaremos el devenir social e histórico de estas prácticas y, por último,
abordaremos una serie de proyectos destacados por su relación entre la obra y el espectador.
Análisis de referentes en el arte lumínico
La luz es un recurso que se ha utilizado a lo largo de la historia del arte, desde Leonardo
Da Vinci en su pintura, hasta los impresionistas que estudiaron la capacidad colorimétrica de la
luz natural en el paisaje. No será hasta mediados del S.XX, en los años 60, cuando la aplicación
de luz artificial se convierte en el material de trabajo y el concepto fundamental de la línea
artística consolidada como Light Art (arte lumínico) relacionada principalmente al ámbito
escultórico y espacial desde sus inicios.
El Light Art, es un movimiento que nace en California de las tendencias predecesoras del
minimalismo, el op-art y el arte cinético, promovido por artistas como Dan Flavin, Robert
Irwin, Doug Wheeler o James Turrell, quienes abordan proyectos artísticos lumínicos que
experimentan con la aplicación de nuevas tecnologías, la diversidad material y el desarrollo de
sistemas de control.
Las posibilidades inmersivas que ofrece este recurso, junto al control del color y la
capacidad material-inmaterial de ocupar el espacio, refuerza el interés plástico y conceptual de
la luz en los artistas como es el caso de James Turrel, pionero en esta línea donde se entiende la
luz como un cuerpo que habita el espacio. Utilizada no sólo como una herramienta artística,
sino que, además, es concebida como una esencia en sí misma. Turrell apuesta por la
hibridación entre la arquitectura y el uso de la luz en piezas que dialogan entre la ilusión óptica
y la inmersión del espectador, elevando la percepción de manera directa, como explica Paulo
Roselló en el artículo El espectador desorientado: luz, espacio y percepción en las instalaciones
de James Turrell:
Se presenta como un objeto de reflexión que requiere el máximo rigor científico que ha
llevado a Turrell a convertirse en un experto físico, psicólogo, e incluso, astrónomo. En palabras
del artista, la luz destaca por su carácter de thingness que le permite indagar en el
funcionamiento óptico del ojo del espectador y su percepción a través del cuerpo (Paulo
Roselló, 2012, p. 202)
Esta preocupación por la sensorialidad de la obra genera un interés en el espectador que
va más allá de la apreciación superficial de la realidad, ahora las obras de arte lumínico son
capaces de desarrollar la percepción de quien las transita y de quien interactúa con ellas,
acercando de manera más profunda al espectador con la obra.
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Bill Viola, artista estadounidense, aborda la inclusión de la luz a través del videoarte de
manera expandida en muchas de sus piezas, donde emplea la luz como recurso metafórico para
tratar temas como la vida, la muerte o la espiritualidad, aludiendo a elementos naturales y
acercando al espectador a la esencia de la naturaleza. Usa la imagen proyectada en el espacio de
manera inmersiva. Al igual que el artista visual español Daniel Canogar, quien, a través de
macro-instalaciones de pantallas que invaden la sala expositiva, genera una serie de patrones
coloridos y luminosos que están en continuo movimiento. Estos consiguen expandir la
percepción del espectador más allá de la mera contemplación superficial. Dentro de esta línea de
artistas lumínicos, resaltamos, además, a Yayoi Kusama, artista performer japonesa que realiza
instalaciones inmersivas denominadas como "Infinity Mirror Rooms". En estas salas, la artista
coloca multitud de espejos en todas las paredes, expandiendo el espacio en el que la luz alude a
reflexiones conceptuales sobre el infinito, la percepción y la propia existencia.
Cabe señalar en el panorama artístico español el trabajo de Paloma Navares, pionera en
arte lumínico en el ámbito nacional. Navares desarrolla su obra por etapas de manera
interdisciplinar, en las que la luz juega un papel fundamental contenida en el interior de las
mismas. A lo largo de su trayectoria, aborda temáticas relacionadas con el género, la sociedad y
el individuo, alternando creaciones de videocreación, fotografía, esculturas e instalaciones que
no solo se expresan a través de estos lenguajes plásticos, sino que también incorpora otros como
la literatura o la danza, expandiendo la percepción sensorial a otros niveles.
Por otro lado, si resaltamos la interconexión entre disciplinas, como hace Turrel, podemos
reflexionar sobre el papel de la transdisciplinariedad y la co-creación en el campo artístico. Esta
metodología de trabajo permite la elaboración de proyectos complejos al fomentar el encuentro
entre puntos comunes y favorecer la confluencia de líneas aparentemente separadas. Por lo
tanto, debemos mencionar el término SciArt que, según las Doctoras en Arte y Patrimonio
Rocío García Robles y Amalia Ortega Rodas, ha sido utilizado en contextos institucionales para
la catalogación de obra que hibrida las disciplinas de arte y ciencia mediadas por la tecnología:
(...) una obra SciArt es aquella que en su génesis y/o en su desarrollo está intrnsicamente
relacionada con conceptos, instrumentos, procedimientos cientficos que le han servido de
fuente de inspiracin. (García Robles & Ortega Rodas, 2023, p.70)
Las obras SciArt son destacadas en esta práctica en las que la transdisciplinariedad y
colaboración entre artistas y científicos permite la creación de proyectos innovadores que
generan sinergias y fomentan el desarrollo entre ciencia, arte y tecnología. De hecho, tal y como
nos explican García Robles y Ortega Rodas, este tipo de proyectos usualmente se puede
caracterizar como una práctica “postdisciplinar y postmediática” (Garca Robles & Ortega
Rodas, 2023, p.66).
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Figura 1. G3DP. Nota. Fotografía de la instalación. Adaptado de: W. Lau, Neri Oxman 3D Prints Glass at an
Architectural Scale. Architect Magazine
Si analizamos la obra de Neri Oxman —artista israelí que interconecta ingeniería
material, arte, tecnología y diseño en la creación de sus piezas — podríamos enmarcarla dentro
esta tipología. Actualmente, Oxman está consolidada como una empresa de investigación y
producción que apuesta por la co-creación multidisciplinar entre ciencia de materiales,
computación, biología, diseño y arquitectura para abordar proyectos creativos. En alguno de
ellos se aplica el uso de la luz y la sostenibilidad material, como es el caso del proyecto G3DP
(2015) (Figura 1). Este se creó en colaboración entre el grupo de investigación Mediated Matter
del Media Lab del Instituto de Tecnología de Massachusetts (MIT), el Departamento de
Ingeniería Mecánica, el Glass Lab del MIT y el Instituto Wyss. Entre los investigadores se
encuentran John Klein, Michael Stern, Markus Kayser, Chikara Inamura, Giorgia Franchin,
Shreya Dave, James Weaver, Peter Houk y la profesora Neri Oxman. El proyecto G3DP
investiga sobre cómo imprimir en vidrio transparente, columnas luminosas a gran escala que se
encargan de proyectar la luz de manera expandida y refractada. Estas piezas tridimensionales
potencian las capacidades propias de la luz y generan una mayor eficiencia lumínica.
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El arte lumínico, actualmente, sigue generando nuevas ambiciones científicas,
tecnológicas y artísticas que, además, promueven la investigación de nuevos materiales y
posibilidades de aplicación tecnológica.
En el caso de Isabel Merchante, artista española emergente, desarrolla series fotográficas,
escultóricas e instalaciones site-specific destacando su interés por los avances tecnológicos y la
incorporación de la inteligencia artificial en muchas de sus obras. En su proyecto All light is
from the past (Figura 2), hace uso de fibra óptica para mover la luz de manera controlada a
través de estos tubos plásticos que, normalmente, se usan para trasladar la información eléctrica.
La artista expone, de la siguiente forma, su visión de esta obra relacionándola con el papel de la
luz:
Desde 1989, las fibras ópticas se han distribuido a través de los océanos, colonizando el
mundo para promover la interconexión global. Al descontextualizar este material para simular el
agua cayendo en cascada sobre el lecho de un río, la escultura adquiere connotaciones
alternativas, apelando a temas de revelación, trascendencia y sublimidad. En la mitología griega,
las cascadas se consideraban puertas entre la Tierra y el cielo. En esta instalación, la fluidez de
la fibra óptica sirve como un vehículo contemporáneo hacia la iluminación. (Merchante, 2025)
Figura 2. All Light Is From The Past. Nota. Instalación site-specific de Isabel Merchante (2024). Fibra
óptica conectada a una fuente de luz programada y estructura de acero.
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Al hilo de esta cuestión, la artista ecuatoriana Dia Muñoz, por su parte, emplea el gas
neón dentro de estructuras orgánicas de vidrio soplado y apuesta por una obra posthumanista
que desafía las normas establecidas. Tal y como se expone en la web de la galería Ponce +
Robles sobre su obra Criaturas de la dimensión de lo inconsciente:
Fusionando técnicas artesanales con procesos industriales, Dia amplía las posibilidades
del vidrio, la madera, el neón, los líquidos y las plantas. Sus exploraciones escultóricas
reconfiguran la relacin entre naturaleza y tecnologa, desafiando la sociedad tecnocapitalista y
el posicionamiento del ser humano como especie dominante en la Tierra. Forman parte de una
imaginación ecológica posthumanista, que propone nuevos marcos ontológicos. Representan
una reevaluación de las formas potenciales de vida en un planeta en constante cambio y
regeneración, invitándonos a repensar nuestro papel dentro de esta realidad dinámica e
interconectada. (Bastidas Vivar, 2025)
Estos ejemplos de artistas destacados en el panorama actual, dan paso al siguiente punto
teórico donde analizaremos con detalle el papel que asumen los avances tecnológicos en el
ámbito artístico contemporáneo.
La IA y otros recursos tecnológicos
Actualmente transitamos una etapa posdigital donde la creación artística se encuentra
sumergida en una práctica totalmente contaminada por la mediación tecnológica. Esto es tan
solo un devenir inevitable, marcado por las conductas y prácticas en nuestro día a día. Como
hemos visto en el apartado anterior, la tecnología es una poderosa herramienta capaz de facilitar
el trabajo y conseguir resultados más productivos. Esta puede ser empleada como un recurso
para solventar problemas técnicos de montaje o la instalación de obras en el espacio; quizás para
la edición y postproducción de obras multimedia, así como para la elaboración del contenido
conceptual del propio proyecto expositivo e, incluso, para la creación artística en sí misma. En
este sentido, las herramientas como la inteligencia artificial o los sistemas electrónicos que
implementan Arduino y softwares o hardwares para la producción artística es tan solo el
resultado inevitable de una práctica totalmente mediada por la tecnología.
Recientemente, la era de los post- se ha impuesto como algo generalizado, parece que
estamos ante el momento del después, donde las relaciones con estas herramientas han dejado
de ser algo novedoso y tan solo suponen nuestro presente más inmediato. Nos posicionamos
ante una asunción de estas herramientas y las implementamos en nuestro día a día, donde todas
estas teorías se ven reflejadas con los manifiestos y ensayos filosóficos por parte de teóricos y
especialistas en la materia. Como es el caso de la conocida teoría postmedia del filósofo José
Luís Brea, donde establece una clara diferenciación en la terminología y los distintos soportes
tecnológicos (Brea, 2002) o el planteamiento de la posrepresentación de la investigadora
Claudia Giannetti en la que se adentra a cuestionar los roles de autoría en la creación mediada
por la inteligencia artificial (Giannetti, 2023).
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Muy en consonancia con esta última teoría es el manifiesto de la postfotografía que
plantea el ensayista Joan Fontcuberta (Fontcuberta, 2011) o el movimiento “tendencia” Post-
Internet en torno a 2013 descrito por el profesor Juan Martín Prada (Martín, 2017).
Estas teorías nos proporcionan un marco analítico sólido para comprender la profunda
transformación que experimenta la producción artística contemporánea en la era posdigital. En
este contexto, la mediación tecnológica deja de ser una influencia externa o una herramienta
ocasional, para convertirse en una condición intrínseca de la práctica artística. Esta
omnipresencia de la tecnología tiene consecuencias directas y significativas en todos los
aspectos del proceso creativo, desde la concepción de la obra hasta su materialización y
recepción.
Uno de los efectos más evidentes de este fenómeno es la modificación de los soportes
artísticos tradicionales. Las categorías clásicas en el arte llevan décadas fusionándose, las
barreras disciplinares se ven desestabilizadas y comienzan a expandirse (Krauss, 1979). Con
ello, tienen lugar técnicas y procesos interdisciplinares, además de las nuevas poéticas y
estéticas en el arte. Al hilo de este tema, Brea defiende la práctica artística online como un
proceso abierto, crítico y comprometido con su tiempo:
(...) pienso que el más alto potencial del net.art reside justamente en su capacidad de
interacción crítica con el actual campo expandido del conjunto de las prácticas artísticas y
culturales, nunca en el encierro disciplinar en los límites de su propia definición autónoma.
(Brea, 2002, p.34)
Dentro de esta práctica que interconecta arte, ciencia y tecnología, encontraremos
comúnmente recursos y soportes como la pantalla digital, el código, los datos, los algoritmos, la
realidad virtual y aumentada. Esto no implica necesariamente la desaparición de los soportes
tradicionales, pero sí su hibridación y reinterpretación a la luz de las nuevas posibilidades
tecnológicas, tal y como defendemos en este análisis. Todo este proceso lleva consigo
problemáticas donde se cuestionan las nociones de autoría, originalidad y obra de arte como
objeto autónomo y cerrado. El espectador se convierte en participante activo, la obra se concibe
como un proceso abierto y en constante evolución.
Sobre este tema, y dentro de la producción generativa por inteligencia artificial, Claudia
Giannetti expone el promt como una nueva herramienta creativa. Además, establece una
analogía con la teoría estética desarrollada por el filósofo checo Vilèm Flusser en los años 80
sobre la imagen técnica y “el funcionario”. Flusser argumenta que las imágenes técnicas
representan una ruptura radical con las imágenes tradicionales e introduce el concepto de
"funcionario" para describir al individuo que interactúa con los aparatos que producen dichas
imágenes técnicas (Flusser, 2017). Este input de texto es un proceso por el que el autor
consigue dar unas indicaciones claras y concisas en base a los resultados estéticos que busca.
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Se ensalza la figura del editor o curator de contenidos como una actividad creativa por su
supuesto logro de utilizar, por ejemplo, un prompt generator de IA textual para buscar imágenes
de repertorio o combinadas, y elegir cuáles utilizar entre las opciones presentadas. El perfil de
curator se circunscribe al de funcionario de las máquinas, el que juega con la herramienta y en
función de ella, el que opera de acuerdo con lo previsto en los programas creyendo que sus
decisiones son independientes y creativas sin tomar conciencia de que cualquier
condicionamiento cognitivo respecto a formas de representación incide directamente en la
propia capacidad de imaginación. (Giannetti, 2023, p.95)
La producción artística en la era posdigital se presenta como un campo en constante
evolución, donde la tecnología no sólo es herramienta, sino también lenguaje y medio de
expresión. Las reflexiones teóricas expuestas, desde la postmedia hasta la posrepresentación,
nos presentan una base sólida que refuerzan las posibilidades y desafíos que plantea esta
simbiosis entre arte y tecnología, abriendo también interrogantes sobre el devenir de la
creatividad y la experiencia estética.
Diálogos entre espectador y obra. Proyectos artísticos destacados
Lo espacial supone un factor de gran importancia en el arte lumínico, siendo este uno de
los elementos fundamentales en el desarrollo de proyectos artsticos de esta ndole. “El espacio
asumirá diferentes roles, desde una independencia total, hasta ser un elemento necesario para la
percepcin y materializacin de la luz” (Muros Alcojor, 2012: 39). De esta manera, podemos
diferenciar distintas escalas espaciales en las que la luz se manifiesta a través de proyectos de
light art.
Si lo abordamos a partir de la pequeña escala, ocupando por ejemplo el interior de una
pieza escultórica, la luz necesita de igual manera un espacio. Este, viene dado por los límites
estructurales que configuran la propia pieza artística —normalmente, conformados por
materiales traslúcidos que favorecen la expansión y la percepción lumínica—. De este modo, la
luz irradia desde el interior de la pieza hacia el exterior, produciendo una interrelación entre
espectador y obra de manera íntima y cercana.
Sin embargo, cuando ampliamos la escala espacial hacia el lenguaje instalativo, la obra y
su relación con el espectador adquieren una dimensión mayor. Esta escala da lugar al carácter
inmersivo, el cual proporciona una serie de reacciones y estimulaciones sensoriales donde el
entorno envuelve al espectador de manera expandida. Muchas de estas propuestas invitan a
transitar el espacio de una manera determinada o incluso a interactuar con la misma de manera
intrínseca. Ahora, el espectador cumple una función crucial, pues pasa a formar parte de la
propia obra.
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Dentro de los referentes clave de la aplicación lumínica en la práctica artística, debemos
mencionar al norteamericano Gary Hill, uno de los pioneros en utilizar el potencial de estas
herramientas en los años 70 al crear experiencias inmersivas que desafían la percepción de la
realidad por parte de los espectadores. Destacamos especialmente la obra site-specific Linguistic
Spill in the Boiler Hall (2018) diseñada para exhibirse en el Museo de Arte, Arquitectura y
Tecnología de Lisboa (Figura 3), inspirada en su pieza Electronic Linguistics desarrollada en
1977. El artista presenta una obra en constante evolución, con una especial interconexión en la
relación con el espectador. La luz —concebida como una proyección que trasciende la
pantalla— se dibuja en la sala libre de limitaciones físicas y expandida en el espacio expositivo,
creando una experiencia sensorial única.
Otra referencia clave para la creación de un espacio en constante diálogo obra-espectador
es la pieza Pulse (2018) del artista visual español Daniel Canogar, conocido por trabajar en la
intersección del arte, la tecnología y la ciencia. En esta obra, el artista plantea una instalación
con pantallas curvas en el Complejo Educativo de Ingeniería Zachry en la Universidad A&M de
Texas. La instalación de dispositivos LED flexibles simula una conexión entre sí pese a estar
físicamente distanciados, esto se debe a que —gracias a su montaje— dan la impresión de que
se adentran en los muros internos del edificio y que dejan ver algún fragmento como si de una
Figura 3. Linguistic Spill in the Boiler Hall. Nota. Instalación lumínica site-specific de Gary Hill (2018) Sonido,
lenguaje e imagen electrónica. Museo de Arte, Arquitectura y Tecnología de Lisboa.
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raíz se tratase. En este caso, la luz que emiten estas pantallas está en constante diálogo con la
vida dentro del edificio. Un algoritmo se encarga de generar unas composiciones abstractas en
tiempo real en las que cada color está asociado a los datos de consumo de energía como la luz,
el internet, el agua, etc.
El artista ha realizado multitud de otras obras al hilo de este tema como, por ejemplo, la
serie Echo (2017), donde la instalación se estimula lumínicamente en tiempo real con distintos
cambios y fenómenos climáticos. O como una de sus obras más recientes expuestas en ARCO
Madrid 2025, Márgenes (2024), donde el artista nos presenta una oscilación entre la alta y la
baja cultura, la abstracción minimalista con el más visceral realismo. Un espacio en el que la
obra se mantiene totalmente condicionada por la producción de streaming, la censura, la
explicitud y la banalidad de la red a la que estamos expuestos como consumidores y creadores
de contenido, en algunos casos. Como resultado, muestra una obra dependiente estéticamente de
la interacción en la producción y consumo de contenido en directo, pero esta se ve reducida a la
poética del color y de la luminosidad reflejada.
Por otro lado, uno de los artistas más involucrados en trabajar con la luz creando espacios
totalmente inmersivos es el artista danés Olafur Eliasson, quien lleva décadas trabajando en
torno a los elementos naturales para crear instalaciones que invitan a la reflexión sobre nuestra
relación con el entorno y con nosotros mismos. Uno de sus ejemplos más conocidos es la
aportación en la Bienal de Venecia en 2003 con la obra Colour spectrum kaleidoscope, en la
que presenta la luz en su complejidad natural e invitaba a reflexionar sobre sus efectos ópticos.
En este caso, las propuestas de este artista abordan temas de conciencia ecológica y
apreciación de la naturaleza combinándolo con sistemas tecnológicos con los que controla sus
instalaciones experimentales. Otra de sus intervenciones clave en ese mismo año fue el proyecto
site-specific para la sala de turbinas del TATE Modern en Londres The Weather Project (2003),
donde nos presenta la luz como un elemento totalmente inmaterial, recurriendo a la creación de
un sol artificial que propicia una atmósfera transitable, transformando la sala interior en un
paisaje y, de nuevo, generando una profunda conexión entre el espectador y el espacio (Figura
4). Eliasson creó una niebla artificial en toda la sala donde la luz cálida —como si se tratase de
una puesta de sol—, invadía todo el espacio expositivo y consiguió convertir la percepción en
una experiencia casi espiritual y meditativa.
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La mayoría de sus obras no son tan solo para la contemplación visual, sino para ser
experimentadas corporalmente. El artista genera una participación activa en el público, incluso
sin tener ningún objeto en la sala con el que interactuar, conecta profundamente con la
climatología del lugar, habitando así el espacio. La luz se considera el material de la creación
artística, esta genera una zona de confort que invita al espectador a sentarse en el lugar a
percibir la obra desde una perspectiva sensorial. Además, estas instalaciones a menudo invitan a
la reflexión profunda sobre la percepción, la ciencia y el medio ambiente, un factor importante
que continuaremos abordando en profundidad en los siguientes puntos desde un planteamiento
práctico.
En el panorama de la creación artística más emergente, la artista sevillana Isabel Bonafé,
investiga sobre la materialidad de la luz y la proyección de la misma entre objetos, creando
ilusiones ópticas en muchas de sus obras y generando una especie de trampantojo a través de
hologramas. La luz es proyectada en el espacio de manera expandida, envolviendo al espectador
en un ambiente determinado, convirtiéndose en una experiencia inmersiva intrínsecamente
interactiva donde la oscuridad es indispensable para la correcta apreciación de la intervención.
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En el proyecto expositivo “Messages of the collision” (2025), expuesto en el Palacio del
Almirante de la Universidad de Granada y desarrollado desde el programa Iniciarte, Isabel
Bonafé expone su preocupación y su visión de la relación entre lo digital y lo humano. El
display expositivo consiste en proyecciones lumínicas de una serie de imágenes sacadas de un
disco duro roto. Bonafé expone así su visión de la exposición, publicado en la presentación de
su propuesta para el programa Iniciarte en la página web de la Junta de Andalucía:
Asistimos a un tiempo en el que otorgamos una confianza ciega a los bits de información
que conforman el universo digital, pero en el que nos olvidamos de la fragilidad de este
universo que, en cualquier momento, puede colapsar llevándose consigo aquello que
guardamos. Y en el que olvidamos, también, que ni siquiera lo que no es tangible se desintegra
por completo. (Citada en Junta de Andalucía, 2025)
Con esta reflexión, la artista nos invita a repensar sobre la actualidad tecnológica y la
realidad digitalizada en la que vivimos. Donde las obras de arte lumínico nos muestran un
camino para abordar cuestiones e intereses en la que la confluencia entre disciplinas
tecnológicas y analógicas establecen diálogos entre espectador y obra que permiten acceder al
conocimiento de manera sencilla y directa a través de la experiencia artística, sobre todo, desde
el carácter inmersivo e interactivo.
Aproximación práctica
Llegados a este punto, proponemos tres proyectos artísticos donde interconectamos los
conceptos de arte y tecnología en el contexto de la educación para divulgar el conocimiento
científico. En este apartado, reflexionaremos sobre tres obras llevadas a cabo en una dinámica
transdisciplinar y colaborativa, amparadas por proyectos desarrollados en la Universidad de
Sevilla.
La luz como conexión e interacción con el espectador
Raíces, Relaciones entre lo Computacional y lo Humano (2023) es una instalación
interactiva; una obra SciArt de carácter investigador que pretende dar a conocer cómo funcionan
y qué son los autómatas celulares (Figura 5). En este caso, hablamos de algoritmos matemáticos
que representan sistemas dinámicos. Estos pueden resolver problemas muy complejos porque
tienen la capacidad de determinar todas las soluciones y opciones posibles. Parten de reglas
simples y dependen de los valores que hay a su alrededor para generar nuevos patrones
inesperados y evolucionados. Actualmente, se usan en aplicaciones reales para crear
simulaciones de ondas de agua, matemáticas e inteligencia artificial, así como para crear
circuitos electrónicos, procesamiento de imágenes, en medicina, expansión de fuego, simulación
de tráfico, evolución y movimientos poblacionales, por ejemplo.
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Esta obra se desarrolla dentro de la primera edición de ASTER (Art-Science-Technology-
Engineering Research by using collaborative methodologies and tools) en 2023, en la que
destacan los proyectos que hibridan las temáticas Arte-Ciencia-Tecnología-Sociedad. Está
desarrollado en el marco del Proyecto FEDER de investigación de la Universidad de Sevilla y
dirigido por Rocío García Robles y Áurea Muñoz del Amo. En esta edición, ASTER propone
dos líneas de investigación creativa, técnica y científica: inteligencia artificial y medio natural.
La obra Raíces, Relaciones entre lo Computacional y lo Humano se enmarca dentro de la línea
inteligencia artificial. Esta obra se desarrolló en co-creación en un equipo mixto con dos
tecnólogos.
gura 5. Raíces, Relaciones entre lo Computacional y lo Humano. Nota. Instalación interactiva (2023). Vainica, serigrafía
y proyección digital interactiva. 200x200cm. Fotografía de Cecilia Pineda-Calvillo.
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El tema científico de la obra fue propuesto por el científico David Orellana Martín bajo el
ttulo “la complejidad de lo simple”, abordado el enfoque conceptual basado en la conexin
entre la complejidad de la relación entre los seres humanos y de estos mismos con la
inteligencia artificial. Para ello, se emplean técnicas tradicionales como la vainica o la serigrafía
para estampar patrones de autómatas celulares en un textil de arpillera junto a otras herramientas
como tecnológicas como la programación mediante Python de un algoritmo personalizado
basado en los patrones del Juego de la Vida de John Conway (1970). El objetivo consistía en
conseguir que el algoritmo interactuase con el espectador mediante un sensor de ultrasonido y
una proyección lumínica. Esta proyección se activa cuando alguien se acerca a la pieza,
emitiendo patrones que recuerdan a raíces y que van haciéndose cada vez más complejos
conforme más personas activan la obra, al igual que funcionan los autómatas celulares.
La luz como generadora de un espacio inmersivo
SEA Reflection and Connection (2024) es una instalación inmersiva que se desarrolló en
co-creación con [información de autoría oculta para revisión por pares ciegos] (Figura 6). Este
proyecto fue amparado por la segunda edición de ASTER y contó con la colaboración del
Instituto de Ciencias del Mar de Barcelona.
El proyecto se centró en la exploración del desarrollo de la vida marina subacuática bajo
la influencia del cambio climático, integrando las prácticas de ciencia ciudadana como el modus
operandi central del grupo de investigación EMBIMOS. El punto de partida conceptual fue un
aporte científico de Xavier Salvador, quien propuso enfocar la atención en la biodiversidad
marina de las costas catalanas. Se observó que, frecuentemente, los estudios tienden a priorizar
áreas remotas —como el Ártico o las selvas—, lo que resulta en un conocimiento limitado de
los ecosistemas locales.
Durante varios años, estos biólogos marinos han trabajado en un evento denominado
MINKA, en el cual se llevan a cabo BioMARatones de ciencia ciudadana con el objetivo de
censar la mayor cantidad de especies en un área y período de tiempo determinados. A lo largo
de tres años, estas iniciativas han permitido recopilar más de 90.000 observaciones. Se ha
logrado cubrir prácticamente la totalidad de la costa catalana, obteniendo datos de zonas que
habrían sido inaccesibles para un equipo científico con los recursos convencionales (Minka,
s.f.).A partir de este marco científico, se exploró la metodología más adecuada para representar
la biodiversidad marina, frecuentemente invisibilizada. Se optó por utilizar los reflejos de la
superficie marina como metáfora central. La obra se desarrolló mediante la tecnología de
proyección lumínica de video-mapping sobre una pieza metálica, complementada con un
software de inteligencia artificial para el procesamiento de las imágenes fotográficas. La
estructura de la instalación, inspirada en las formas ondulantes del agua, funcionó como un
lienzo dinámico para la proyección de imágenes del proyecto MINKA (Minka, s.f.). El material
reflectante de la pieza permitió proyectar y difundir las imágenes en el espacio expositivo,
generando una atmósfera inmersiva y efímera.
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El propósito principal de la obra fue generar un juego lumínico a partir de imágenes de
especies desconocidas para el público general. Como recurso complementario, se diseñó una
página web donde las imágenes, presentadas de forma estática, permitieron la identificación de
las especies. El proyecto ilustra el potencial de la colaboración interdisciplinaria entre artistas,
ingenieros y biólogos para fomentar una mejor comprensión de los ecosistemas marinos y
promover la difusión del conocimiento. Asimismo, subraya el valor de la participación
ciudadana en la investigación científica para el estudio y la conservación de la biodiversidad.
La luz como metáfora de lo vital
Renovación Cíclica (2024) es una escultura lumnica creada para el proyecto “Arte y
Ciencia: La inmolación de las células”, a raz de la colaboracin entre la Real Academia
Sevillana de Ciencias (RASC) y la Universidad de Sevilla, comisariado por las Dras. Raquel
Barrionuevo y Laura Nogaledo. Este proyecto surge a partir de una iniciativa dirigida por el
profesor Miguel Ángel De la Rosa, presidente de la RASC y Alejandra Guerra, investigadora
postdoctoral. El tema principal aborda el concepto científico de la apoptosis, o la muerte celular
programada. La apoptosis es un proceso biológico fundamental para el equilibrio de las células
en los seres vivos, si no se da correctamente, en consecuencia, aparece el cáncer, las células se
vuelven inmortales y no dejan de crecer.
Figura 6. SEA Reflection and Connection. Nota. Instalación lumínica (2024). Escultura metálica y papel
holográfico. Proyección, video-mapping y edición de imágenes con IA. Medias variables. Fotografía de Miguel
Mendoza
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El proyecto comprende una serie de simposios y actividades relacionadas con la
divulgación del mismo y del concepto científico, en el que se desarrolla una exposición artística
itinerante que se presentó como una actividad dentro del 46º Congreso de la Sociedad Española
de Bioquímica y Biología Molecular (SEBBM), celebrado en el Museo Nacional de Ciencia y
Tecnología de A Coruña (MUNCYT) en 2024. Además, se expuso en los Claustros de Santo
Domingo en Jerez de la Frontera, Sevilla en 2025.
Figura 7. Renovación Cíclica. Nota. Escultura lumínica (2024). 80x70x10cm.
Fotografía de Cecilia Pineda-Calvillo.
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La exposición comprende veinte obras que se llevaron a cabo de forma colectiva en la
asignatura de 4º curso: Tecnología Electrónica y Escultura Interactiva de la Facultad de Bellas
Artes de Sevilla, — impartida por primera vez en la mención de Nuevas Tecnologías (NNTT)
en la facultad desde el curso 2023-2024 — formando grupos de entre tres y cuatro alumnos
mediante esculturas que integran programación personalizada con Arduino y la inclusión de
sistemas electrónicos. Este proyecto también se desarrolló de manera individual por profesores e
investigadores de la propia facultad, empleando diversas técnicas tecnológicas y plásticas, en la
que destacamos la obra aquí referenciada Renovación Cíclica (Figura 7) bajo la autoría de
[información de autoría oculta para revisión por pares ciegos].
Renovación Cíclica, es una escultura dual que sintetiza el concepto de apoptosis a través
de dos núcleos interconectados. El núcleo derecho, contiene una luz pulsante que aumenta y
disminuye su intensidad, simbolizando el flujo energético que sostiene la vida. Mediante hilos
de fibra óptica, esta luz conecta con la otra parte, representando el vínculo entre la célula que
muere y la que renace. Este intercambio de energía refleja el equilibrio biológico: mientras una
célula se apaga, otra utiliza lo útil para adaptarse y sobrevivir.
La obra está realizada con textil, resina epoxi, fibra óptica y plexiglás, y configurada
electrónicamente con Arduino para controlar el ciclo lumínico de manera repetitiva y continua
repetidamente. Esta propuesta es un claro ejemplo de la integración de la luz dentro del lenguaje
de la escultura lumínica contemporánea donde la inclusión de la tecnología se encuentra
presente, potenciando la percepción de la obra emitiendo la luz artificial de manera constante y
pulsante. A su vez, en esta obra se encuentra presente la expansión del conocimiento complejo y
científico de manera sencilla y accesible a través de una propuesta artística que apuesta por la
integración material sostenible.
Conclusiones
El presente análisis ha explorado el papel de la luz como material plástico y artístico en la
creación contemporánea, enfocado especialmente en proyectos donde destacan las sinergias
entre el arte, la ciencia y la tecnología. A través del estudio de referentes históricos y actuales
destacados en arte lumínico, se ha evidenciado el hecho de que la luz no solo sirve para
iluminar, sino que puede convertirse en un medio de expresión complejo con una fuerte carga
conceptual y experimental.
El marco teórico de este proyecto resalta la evolución del arte lumínico desde sus inicios
en el siglo XX, hasta su hibridación con procesos y metodologías propias de la era posdigital,
incluyendo los distintos softwares y hardwares de procesamiento, así como el uso de la
inteligencia artificial. Se expone, de esta forma, el panorama más actualizado de este ámbito
artístico. A lo largo de este análisis, se han abordado proyectos que exploran las propiedades
físicas y metafóricas de la luz, obras que fomentan la creación de experiencias sensoriales e
inmersivas abordando temáticas como la relación entre el ser humano y la tecnología, las
preocupaciones medioambientales o la conciencia ecológica.
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Así mismo, se ha demostrado la importancia de la relación que establece el espectador
con la obra dentro de las instalaciones lumínicas, invitándolo a interactuar de manera activa,
difuminando las fronteras entre la obra expuesta y el público que observa, experimenta, percibe
y cohabita con ella. El acercamiento práctico que proponemos, concibe tres proyectos artísticos
concretos siendo estos claros ejemplos del potencial que tiene la colaboración transdisciplinar
entre científicos, tecnólogos y artistas. Estas propuestas demuestran la fuerte repercusión
divulgativa que generan a través de la inclusión tecnológica desde el enfoque conceptual, hasta
el desarrollo procesual de las obras con algoritmos, programación o proyecciones lumínicas.
Para concluir, este artículo expone que la luz es una gran fuente de inspiración para el
desarrollo de proyectos de innovación educativa y la exploración artística, ya que la integración
del arte lumínico junto a la ciencia y a la tecnología fomenta la creatividad, la educación
científica y ofrece una concepción más profunda del mundo que nos rodea.
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